Für Sie gesehen in THE EYE

100 Jahre Art Deco

Der seit 1910 deutsche Art Déco erlebte seinen Höhepunkt und all seine Facetten auf der Internationalen Ausstellung für dekorative und industrielle Kunst 1925 in Paris. Daher die Idee des Auges, heute das 100-jährige Bestehen dieser künstlerischen Bewegung zu feiern, die anlässlich dieses Ereignisses ihren Namen fand. Neben den Gemälden von Tamara de Lempicka und den Skulpturen von Jean und Joël Martel gibt es viele Ausdrucksformen, die unter diesem Namen zusammengefasst werden. Das Spektrum reicht von Architektur bei Henri Sauvage und Pierre Patout über Objekte von Louis Süe und Tiere von Paul Jouve bis hin zu Möbeln von Jacques-Émile Ruhlmann, Dekorationen von André Mare und Lackarbeiten von Jean Dunand. Stilistisch gesehen ist es ein Allrounder, der sich sowohl an die wohlhabenden Klassen der Zeit mit luxuriösen Materialien als auch an die Arbeiterklasse mit erschwinglichen Varianten richtet. Hundert Jahre später findet man im Second-Hand-Verkauf eine Fülle von Art-Déco-Sideboards und -Öfen. Die Inspirationsquellen der Künstler sind äußerst vielfältig. Sie beziehen sich ebenso auf das 18. Jahrhundert und den Louis-Philippe-Stil wie auf die afrikanische und fernöstliche Kunst, aber auch auf die Wiener Avantgarde oder, über die Kunst hinaus, auf Sport, Automobil und Luftfahrt. Die starke Entwicklung des Art Déco ist auf die Notwendigkeit zurückzuführen, nach dem Ersten Weltkrieg alles wieder aufzubauen: Häuser, Kirchen, Industrien, vor allem in Hauts-de-France und im Grand Est. Aber dieser neue Trend trat auch zu einer Zeit auf, als Frankreich sich mit Bahnhöfen, Rathäusern, Stadien, Schwimmbädern, Schulen, Bibliotheken, Partyhallen, Postämtern und Hotels ausstattete. Viele dieser Kreationen übernahmen die damals vorherrschende Ästhetik. Und im Zuge dessen wurde Art Déco wie ein Lauffeuer in die ganze Welt exportiert und stellte eine historische Premiere dar, da sein formales Vokabular es ihm ermöglichte, Elemente aus allen Kulturen und Folklore zu integrieren. Und dann kamen Minimalismus und Funktionalismus. Art Deco geriet nicht nur in Vergessenheit, es wurde auch wegen seines Mangels an theoretischer Grundlage und ästhetischer Einheit abgewertet. Kritiker kritisierten ihn als zeitgenössischen Künstler mit Figuration und Kolonialismus. Bis vor Kurzem wurden einige dieser schönsten architektonischen Juwelen sogar zerstört. Einige visionäre Kaufleute und Verleger wurden inspiriert, alles zu retten, was sie konnten. Denn am Ende dreht sich der Wind. Heute ist in diesem sehr grafischen, ebenso schicken wie fröhlichen Stil der Zeitgeschmack wieder zu erkennen. Als Beweis dafür dienen die rund 230.000 Besucher der Ausstellung „When Art Deco Seduces the World“ im Jahr 2013 in der Cité de l’architecture und die zahlreichen aktuellen Neuauflagen von Möbeln. Doch hinter dieser neuen Begeisterung verbirgt sich ein Erosionsphänomen, das im Verborgenen weitergeht. Dezenter als die Flaggschiff-Kreationen der Bewegung, wird das alltägliche, hauptsächlich architektonische Art Deco regelmäßig aus Unwissenheit und Unwissenheit zerstört. Das ist der Preis seines Erfolgs. Indem wir universell sind, werden wir banal, unsichtbar und wertlos.

Abbildung: In einem grünen Bugatti von Tamara de Lempicka (1929)

Zola-Fotograf

über die Zola-Fotografenausstellung im Espace Richaud vom 19. Februar bis 20. April

Ein Foto von einem Lebewesen, einem Ort oder einem Objekt zu machen bedeutet, es vollständig in einem einzigen Satz, einem einzigen Moment zu beschreiben. Diese augenblickliche Beschreibungskraft, die gleichzeitig alle Details eines Themas erfasst, konnte einen naturalistischen Schriftsteller wie Zola nur faszinieren, der mehr als nur ein Realist war und danach strebte, die tiefe Natur, das Wesen der Dinge einzufangen. Und die Geschichte dieses Blicks durch die Linse ist in erster Linie Liebe. Obwohl verheiratet, verliebte sich Émile Zola in Jeanne Rozerot, die Wäschearbeiterin, die eine der drei Bediensteten des Paares war. Im Sommer, in dem diese Leidenschaft geboren wurde, wurde der Schriftsteller tatsächlich von seinem Freund Victor Billaud, einem Journalisten und Fotografen, in den Umgang mit einer Kamera eingeführt. Das Foto war damals erst etwa fünfzig Jahre alt. Zola wartete weitere sechs Jahre, bevor es auf den Markt kam. Er trainierte alleine, indem er das Leben seiner beiden Häuser fotografierte, das seiner Frau in Médan und das seiner Geliebten und der beiden Kinder, die sie ihm in Verneuil schenkte. Anschließend widmet er sich Stadtfotos, Paris und Rom, dann London während des Exils nach seiner Anklage gegen J'accuse während der Dreyfus-Affäre. Jedes Mal ist es das tägliche Leben der Stadt, das er einzufangen versucht. Denn Zola war alles andere als ein reiner Amateurfotograf. Er begeisterte sich für die technischen Aspekte seiner Kunst, kaufte mehrere Geräte und richtete in jedem seiner beiden Häuser ein Entwicklungslabor ein. Er hinterließ eine Sammlung von rund 2.000 Negativen! Die Fotografie, die er methodisch studierte, war für ihn „voller Geheimnisse und Enttäuschungen“.

Während der Weltausstellung von 1900 fotografierte er sogar den Eiffelturm bei Nacht, was mit einer Kamera der damaligen Zeit eine kleine technische Meisterleistung darstellte. Es stimmt, dass Émile Zola ein Künstlerauge hatte. Er hatte seinen Blick schon immer durch das Zeichnen geschärft. Als Kind neckte er den Bleistift, während sein Freund Paul Cézanne Verse schrieb. Und selbst als er zunächst als Journalist und dann als Romanautor zu schreiben begann, behielt er die Gewohnheit bei, seine Schriften mit einigen Skizzen vorzubereiten. Wie können wir uns dann wundern, wenn einige seiner Fotos durch ihr Thema oder sogar ihre Rahmung an eine Straße in Paris, Weather of Rain von Gustave Caillebotte und ein anderes an eine Frau bei ihrer Toilette von Berthe Morisot erinnern? Er hat nicht nur den Boulevard des Batignolles und Jeanne Rozerot fotografiert. Und wenn er letzteren auf einer Couch liegend aufnimmt, erinnert die Bildkomposition unwiderstehlich an „Die Dame mit den Fächern“ von Édouard Manet, für die er „Le Déjeuner sur l'herbe“ und dessen Nacktheit verteidigt hatte, die einen Skandal auslöste. „Wir haben oft ein festes Bild von Zola, der Schriftstellerin, Journalistin, Verteidigerin von Dreyfus und Anprangerin der Armut. » erklärt Bruno Martin, Fondsmanager in der Fotoabteilung der Mediathek für Kulturerbe und Fotografie, die alle Negative von Zolas erworben hat. Mit diesem Wissen über den Fotografen Zola glaubt er, dass wir den ganzen Mann fälschlicherweise als einen ernsthaften und kämpferischen öffentlichen Mann zusammenfassen, der in Arbeiterkonflikte verwickelt ist. Die vertraute Zola, die er als Person kannte, war zärtlich und liebevoll, fähig, ein Gesicht, eine Landschaft zu bestaunen. Schreiben fängt, noch weniger als Fotografie, das Leben nie vollständig ein.

Abbildung: Selbstporträt mit Baskenmütze von Émile Zola (1902)