Für Sie entdeckt in WISSEN DER KÜNSTE

Die Heldentaten der Artemisia Gentileschi

anlässlich der Ausstellung Artemisia Héroine de l'Art im Jacquemart-André-Museum in Paris (vom 19. März bis 3. August)

Im Italien der Renaissance gab es nicht viele Malerinnen. Da ihnen der Aufenthalt in den Werkstätten und die Mitnahme von Modellen verboten war, waren sie praktisch dazu verdammt, Stillleben oder Blumenarrangements zu malen. Es sei denn, sie schufen im Geheimen ihres Zimmers ehrgeizigere Gemälde, inspiriert von den Werken großer Meister, die an den Wänden von Kirchen blühten, deren Türen ihnen offensichtlich offen standen. Artemisia Gentileschi entging dieser Regel in ihren jungen Jahren nicht, obwohl sie die Tochter eines mit Caravaggio befreundeten Malers war und einen gewissen Ruf genoss. Sie war zielstrebig und ehrgeizig und verließ sich nur auf sich selbst, um sowohl den geschickten Umgang mit dem Pinsel, insbesondere in der Porträtkunst, als auch das Posieren vor ihrem Spiegel zu erlernen. Rundlich, mit einem perfekten ovalen Gesicht und einer geraden, nach oben gerichteten Nase ähneln alle Frauen, die seine Gemälde bevölkern, seinem Selbstporträt als Lautenspieler, das ihm zahlreiche Aufträge einbrachte. Mit halbgeschlossenen Augen, genau wie seine Jungfrau und sein Kind, ist seine melancholische Maria Magdalena im Gegensatz zu Maria lasziv und in einer Pose sinnlicher Trägheit, die durch einen raffinierten Ausschnitt verstärkt wird, mit einer noch stärkeren erotischen Ladung als seine völlig nackt liegende Danaé. Ein bisschen wie seine Allegorie der Neigung, die er in seiner späten Florentiner Zeit malte, deren großzügige Kurven durch die Stoffe, die sie drapieren, eher betont als maskiert werden. Zwei Werke gelten als Schlüsselwerke aller Gemälde von Artemisia Gentileschi. Es sind vor allem seine Suzanne und die alten Männer. Die im Vordergrund sitzende junge Frau ist bis auf ein bescheidenes kleines Stück Stoff nackt. Hinter ihr ragen zwei reife Männer über sie empor, von denen einer sie mit Worten anspricht, die sie offensichtlich mit der Komplizenschaft des zweiten belästigen, der ihr mitschuldige Ermutigungen ins Ohr zu flüstern scheint. In einer Pause der Verteidigung und des Selbstschutzes ist Suzanne ein Opfer, genau wie die Heldin ihres Films Tarquinia und Lucretia, in dem der gekleidete Mann, der der nackten und liegenden Frau gegenübersteht, sie mit der rechten Hand mit einem Dolch bedroht, während er mit der linken versucht, ihre Schenkel zu spreizen. Die Figur der Vergewaltigung, die hier auftaucht, kann nur als Echo des realen Dramas erscheinen, das Artemisia in ihren jungen Jahren erlebt hat, wie die Spuren der Klage ihres Vaters gegen ihren Angreifer belegen. Aber Frauen sind nicht die belasteten Opfer seiner Arbeit. Im Gegenteil! Ob in Yael und Sisera oder in Judith, die Holofernes enthauptet, es sind Charaktere voller Entschlossenheit, die mit entschlossener Kraft handeln, um den mörderischen Dolch oder das rachsüchtige Schwert ohne Hass oder Mitleid zu führen. Der in diesen Hell-Dunkeln allgegenwärtige schwarze Hintergrund erinnert offensichtlich an Caravaggio, als wäre er nach ihm zu einer Redewendung geworden, die gewalttätigen biblischen Szenen gewidmet ist. Diese Frauen, die töten, ohne mit der Wimper zu zucken, scheinen eine natürliche Beziehung zum Mord zu haben, wie in Judith und ihrer Dienerin mit dem Kopf von Holofernes, dessen Heldinnen, obwohl wachsam, fast so aussehen, als wären sie gerade mit dem Korb unter dem Arm vom Markt zurückgekehrt. Wie eine Vorahnung von Sigourney Weavers kalter Wut in „Alien“. Die Modelle sahen aus wie das Original. Artemisia Gentileschi war eine starke, freie, unabhängige Frau, die in der Lage war, ihren Mann zu verlassen, um ihr Leben zu leben und Städte zu verändern, wenn ihre Inspiration es erforderte. Es wäre auch heute noch vorbildlich.

Abbildung: Judith und ihre Dienerin mit dem Haupt des Holofernes von Artemisia Gentileschi (1623)

10 neue Settings für Kunst

Überall auf der Welt entstehen neue Museumsräume, in denen die Architektur über sich selbst hinausgeht und von der Kunst, die sie beherbergt, inspiriert ist. Connaissance des Arts hat zehn der schönsten Exemplare aufgelistet. Das Simose Art Museum in der Nähe von Hiroshima verfügt über einen modularen und mobilen Raum, der aus quaderförmigen, getönten Glasbehältern besteht, die auf einem Gewässer schwimmen. Das Blanton Museum of Art in Austin, Texas, verband seine beiden Gebäude mithilfe riesiger Blütenblätter, die einen Baldachin bildeten, der den Besuchern inmitten üppiger Vegetation Schutz bietet. Der Turinetti di Pergento-Palast in Turin hat seine historischen Räume für Malerei, Skulpturen und antike Möbel beibehalten, aber im Untergeschoss hypermoderne Ausstellungsräume für Fotografie und Video hinzugefügt. Im norwegischen Kristiansand wurde das Silo der Stadt komplett umgebaut, um die größte Sammlung nordischer Kunst der Welt zu beherbergen. Das Gulbenkian Modern Art Center in Lissabon, das die bedeutendste Sammlung portugiesischer Kunst aus dem 20. und 21. Jahrhundert vereint, hat seinen Raum geöffnet, um die Karte der Transparenz zu spielen und sich gleichzeitig mit einem gigantischen, geschwungenen Baldachin mit eindeutig japanischer Inspiration zu schmücken. In Berlin wurde die legendäre Fotografiska im Rahmen eines großen Stadterneuerungsprojekts in Räumlichkeiten gegründet, die ihre Einkaufszentrumsstruktur vom Beginn des 20. Jahrhunderts beibehalten haben. Das neue Museum für Moderne Kunst in Warschau spielt die Karte des Weiß-auf-Weiß-Minimalismus in Erwartung seines zukünftigen Nachbarn, eines komplett schwarzen Theaters. In Charleston, South Carolina, steht das International African American Museum genau an der Stelle, an der die Hälfte der in Nordamerika ankommenden Sklaven landete. Als Zeichen des Respekts vor dem Ort steht das Museum nicht auf dem Boden, sondern auf Stelzen. Ein ehemaliges Postamt, das seit Jahren stillgelegt wurde, in Trondheim, Norwegen, hat seine majestätische Granitfassade einem Museum für zeitgenössische Kunst zur Verfügung gestellt, das seine tragende Stahlkonstruktion zum Leben erweckt. Der Container ähnelt dem Inhalt in Wiesbaden in Deutschland, wo es eine reiche Sammlung abstrakter Kunst der Nachkriegszeit gibt, ergänzt durch Werke von Helen Frankenthaler. Die Architektur des Museums besteht ausschließlich aus einfachen geometrischen Formen mit Räumen unterschiedlicher Größe, die nach Maß aus weißem Granit geschnitten sind, um jede Sammlung in einem ganz ihr gewidmeten Rahmen unterzubringen. Anhand dieser zehn Beispiele wird ein glücklicher Beweis deutlich: Angesichts des Respekts, der ihr in allen Teilen der Welt entgegengebracht wird, hat die Kunst eindeutig noch eine glänzende Zukunft vor sich.

Illustrationen: das Simose Art Museum von Shigeru Ban – das Blanton Museum of Art von der Agentur Snohetta – das Gulbenkian Modern Art Center von Kengo Kuma – das International African American Museum von der Agentur Pei Cobb Freed & Partners