Für Sie in L'ŒIL gesehen

Ein Modellmaler

In ihrer Jugend war Suzanne Valandon ihrer Zeit mit Straßenkunst voraus, da sie zu arm war, um anderswo als an Wänden mit etwas anderem als Kohlestiften zu malen. Danach war sie für kurze Zeit eine Zirkusartistin, bis sie nach einem schweren Trapezunfall die Zirkuszelte verließ. Aufgrund ihres Körpers und ihrer Fähigkeit, stundenlang eine Pose zu halten, war sie für viele Pariser Maler ein erfolgreiches Modell und nutzte die Gelegenheit, um sich nach ihren technischen Tipps und Tricks zu erkundigen. Eigentlich träumte sie nur von einem: auf die andere Seite des Busches zu ziehen. Als Lautrec sie entdeckte, wurde sie von Renoir verunglimpft und verspottet, da er Frauen für zu bodenständig hielt, um eine gewisse Vorstellungskraft zu besitzen. Suzanne zeichnet Alltagsszenen, das Baden, die Arbeit der Wäscherinnen, ihre Hunde, ihre Katzen, ihre Liebhaber. Nacktheit ist ein wiederkehrendes Thema, wird jedoch nie aus einer realistischen Perspektive idealisiert, was einen Zeichenstil erklärt, der von einer sowohl rohen als auch flexiblen Linie geprägt ist. Sie malt Menschen, um sie kennenzulernen. Dieser Stil, der eher gezeichnet als gemalt war, verführte Degas, der sie ermutigte, in den Salon der Société nationale des beaux-arts einzutreten, wo sie 1894 als erste Frau aufgenommen wurde. Trotz der Qualen, die ihr Sohn Maurice Utrillo verursachte, der war eine ebenso kränkliche Alkoholikerin wie die begabte Malerin Suzanne Valendon, die auch über die Grenzen Frankreichs hinaus Erfolg hatte. Gleichzeitig war sie die erste Malerin, die im Salon d'Automne einen nackten Mann mit einem zensierten Adam und Eva verewigte. Aber sie wird von Kritikern gelobt und hat keine Angst vor Widrigkeiten. Auf diese Weise fügt sie Feigenblätter hinzu und restauriert ohne Zögern die verletzten Privatteile ihrer beiden Charaktere. Dieser ungeschminkte Blick auf die Nacktheit von Männern wie Frauen hat ihr öffentliches Bild verändert und entdramatisiert. Für ein unkompliziertes Mädchen nichts Kompliziertes. Nacktheit ist für sie nichts Heiliges. Der Beweis: Seine Odaliske im Blauen Zimmer ist entsprechend bekleidet und nicht nackt, wie es die Überlieferung will. Dennoch ist sie mit ihrer Zigarette, die sie stolz zwischen den Lippen trägt, eine Ikone weiblicher Unabhängigkeit. Suzanne Valandon ist gerne dort, wo niemand nach ihr sucht. Auf ihrem letzten Selbstporträt malte sie sich im Alter von 70 Jahren mit nacktem Oberkörper. Und schließlich, als sie im Sterben lag, schrieb sie, stolz auf ihre Reise, auf die zentrale Vase des Stilllebens, das ihr letztes Gemälde bildete: „Lang lebe die Jugend!“

Abbildung: Das blaue Zimmer von Suzanne Valandon (1923)

Kostenlose Figuren

über die Disco-Ausstellung im Palais de Tokyo vom 12. Juni bis 7. September

Wer hat gesagt: Stil ist der Mann? Wenn wir uns auf Vivian Suter beziehen, ist der Stil jedenfalls sicher nicht die Frau. Als freie Künstlerin respektiert die argentinisch-schweizerische Malerin keine Regeln, schon gar nicht ihre eigenen. Sie dachten, es wäre figurativ, hier ist es abstrakt. Doch seine Malerei kann ebenso gut geometrisch oder sogar buchstabengetreu sein. Einige seiner Gemälde weisen einen großen Weißanteil auf. Andere keine. Und das zeigt sie in allen Farben ihrer Pigmente. Hier sind einige sehr natürliche Ocker-, Gelb- und Brauntöne. Und hier sind Blau-, Grün- und Violetttöne, die den deutschen Expressionisten würdig sind. Seine Ausstellungen strukturieren diese freudige Vielfalt in keiner Weise. Es werden Leinwände mit Rahmen neben Leinwänden ohne Rahmen angezeigt. Keine Nähe ist sinnvoll. Weder thematisch noch chronologisch. Dabei werden die unterschiedlichsten Techniken vermischt und manche Leinwände lösen sich sogar von der Wand, um ohne viel Aufhebens im Raum aufgehängt zu werden. Was können wir also über diese Künstlerin sagen, die alles tut, um keinen Stil zu haben? Besteht die Existenzberechtigung eines Schöpfers bzw. einer Schöpferin nicht grundsätzlich darin, einen Stil, ein Markenzeichen oder sogar eine Vision von Kunst zu haben, die ihm bzw. ihr gehört? Und wenn wir schon von Pfote sprechen: Warum heißt Vivian Suters neueste Ausstellung „Disco“? Weil es der Name seines Hundes ist, der einen Pfotenabdruck auf einer achtlos waagerecht liegenden Leinwand hinterlassen hatte. Der Stil ist normalerweise der Existenzgrund eines Künstlers. Es ist der Unterschied zu allen anderen. Seine Positionierung auch in Bezug auf das Marketing. Ein Gemälde von Rothko erkennt man schon aus drei Kilometern Entfernung. Sie sehen alle gleich aus, sie haben eine Familienähnlichkeit. Gleiches gilt für die Skulpturen von Niki de Saint Phalle. Und nichts sieht mehr wie ein Matisse aus als ein Matisse. Aber ein Gemälde von Vivian Suter? Vielleicht ist die Kunstwelt letztlich traditionalistischer, als er sich das vorstellt. Er versieht gern mit Etiketten. Bei Vivian Suter ist das anders. Nicht der Künstler, sondern sein Werk ist es, was zählt. Beim Malen geht es nicht um eine Vision, sondern um die Freude an der Ausübung, die ständig erneuert und durch die Wahrheit des Augenblicks genährt wird. Wenn man bedenkt, dass die im Freien hängenden Leinwände schlechtem Wetter ausgesetzt waren, kann man meinen, dass die nächsten Leinwände weiterhin den Launen des Wetters ausgesetzt sein werden. Ihre Marken bleiben erhalten; Inspiration kommt aus dem Moment. Gefühle. Wahrnehmungen. Letztendlich gibt es nur eine Konstante in dieser Welt und diesen sich ständig verändernden Werken: Vivian Suters Malerei. Mal was anderes, anders, aber sie malt. Ist das nicht mutatis mutandis genau die Aufgabe eines Malers?

Illustration: Vivian Suter – Disco © Vivian Suter

Gebet zum Hass

über die Ausstellung „Entartete Kunst – Der Prozess der modernen Kunst unter dem Nationalsozialismus“ im Musée National Picasso vom 18. Februar bis 15. Mai

Grundsätzlich stellen wir Kunstwerke aus, um ihnen die Möglichkeit zu geben, auf ein Publikum zu treffen, das sie liebt. Aber nicht alle denken so. Im Jahr 1937 fand eine Reihe von Ausstellungen statt, von denen die größte in München den Titel Entartete Kunst trug und sich der „entarteten“ Kunst widmete, um die Massen vor über 600 der 20.000 von den Nazi-Behörden konfiszierten Kunstwerke zu warnen. Was waren wessen wird ihnen vorgeworfen? Sie hätten „die Seele der jüdischen Rasse“ enthüllt oder „vorsätzliche Sabotageakte gegen die Streitkräfte“ begangen. Zu den verdammten Künstlern zählten keine Geringeren als Max Beckmann, Marc Chagall, Otto Dix, Wassili Kandinsky, Platon Klee und Vincent Van Gogh. Die Ausstellung war ein Erfolg!

 Abbildung: George Grosz, Metropolis, Öl auf Leinwand, 1916-1917, Thyssen-Bornemisza Museum, Madrid