Für Sie gefischt in WISSEN DER KÜNSTE

Ein Künstlertag: 19. September!

Guy Boyer, Redaktionsleiter von Connaissance des Arts, hatte eine großartige Idee: Jedes Jahr einen Künstlertag zu veranstalten! Das Prinzip wäre ebenso einfach wie leuchtend. Dies würde bedeuten, dass die Gänge der großen Pariser Museen für einen Tag zwischen zwei Ausstellungen für Künstler geöffnet werden, die normalerweise nie Zugang zu einer solchen Ehre hätten. Wären das Museum für moderne Kunst, das Centre Pompidou und das Palais de Tokyo bereit, das Spiel zu spielen, da sie niemals zeitgenössische Künstler willkommen heißen, die nicht bereits über einen guten Ruf verfügen? Auf jeden Fall ist dies die Initiative des Präsidenten des Musée d'Orsay, Christophe Leribault, die von seinem Nachfolger Sylvain Amic weitergeleitet wurde, als Reaktion auf eine Bitte von Thomas Lévy-Lasne, den 19. September zum Tag der Maler zu machen. Diese Premiere war kurz, dauerte nur sechs Stunden, aber auf symbolischer Ebene wichtig. Ein paar Dutzend glückliche Künstler haben von den riesigen Räumen des alten Bahnhofs und seiner Oberlichter profitiert. Andere hatten das Privileg, mit den berühmten Malern der Vergangenheit zusammenzuleben, die sie so sehr inspirierten. Kurz gesagt, die Veranstaltung war voller Freude und hatte den unanständigen Hauch eines „Salon des Refusés“. Die Öffentlichkeit war da. Studenten von Ausstellern, Galeristen und sogar Amateure kamen aus allen Teilen Frankreichs zu dieser kurzlebigen Ausstellung, die im Zeichen eines spontanen und informellen Dialogs zwischen den achtzig Malern der Zeit und ihrem Publikum stand. Wird dieser Erfolg den Betroffenen die Idee und den Wunsch geben, diesen ersten 19. September auf alle Künste fortzusetzen und auszuweiten? ARTactif stimmt dafür.

Abbildung: das Musée d’Orsay

War Marcel Duchamp Pop?

Die Bedeutung einer künstlerischen Veranstaltung lässt sich sowohl an den Brücken, die sie schafft, als auch an den Fragen, die sie stellt, messen. Dies ist der Fall bei der Ausstellung „Pop Forever, Tom Wesselman“ in der Louis Vuitton Foundation bis zum 24. Februar. Wesselmanns Verbindungen zu den anderen wichtigen Giganten der Pop-Art, Lichtenstein, Rosenquist und Warhol, sind daher offensichtlich. Sie nebeneinander anzuzeigen, bringt nicht mehr viel. Anstelle eines weiteren Siebdrucks von Coca-Cola-Flaschen könnten wir genauso gut die Dynasty Urne mit Coca-Logo von Ai Weiwei herbeirufen. Die Pop-Aussage verliert sofort ihre Transparenz. Hier finden Sie die Bestätigung und die Einblicke, die diese Ausstellung zur aktuellen Kunst bietet. Und auch vorab ist die Hervorhebung von Wesselmanns Einflüssen bedeutungsvoll. Beachten Sie, dass seine jugendlichen Collagen mit Heftklammern einen Dada-Einfluss erkennen lassen. Und vor allem werden wir eine Pause einlegen, indem wir die Inspiration von Duchamp hervorheben. Ist die legendäre Fontaine eine der ersten Pop-Ikonen? Es handelt sich um ein triviales Objekt aus dem Industriezeitalter, das in tausenden Exemplaren identisch reproduziert wurde. Wie die Heizkörper, Handtuchtrockner, Kühlschränke und Toilettensitze, die Wesselmann in den sechziger Jahren in seine Werke integrierte. Sind Pop-Werke als Readymade einzustufen?

Illustration: Brunnen von Marcel Duchamp (1917)

Wie viel kostet ein Wesselmann?

Vor fünfzehn Jahren hätte man das Doppelte bezahlt, aber heute braucht man nur 2,5 bis 3 Millionen Dollar, um einen Wesselmann zu kaufen. Zu diesem Preis erhalten Sie ein Schnäppchen, wenn Sie ein Werk aus der Serie „Great American Nude and Still Life“ in die Hände bekommen. Finden Sie es teuer? Sagen Sie sich, wenn Sie sich in einen Warhol wie Shot Sage Blue Marilyn verlieben würden, würde es Sie viel mehr kosten. Das Sparschwein, das Sie zerstören, sollte mindestens 195 Millionen US-Dollar enthalten. Dies ist der Preis, zu dem dieses Werk im Jahr 2022 verkauft wurde. Das Gesetz von Angebot und Nachfrage.

Zombie oder nicht Zombie?

Lernen wir, zwischen dem Original und der Kopie zu unterscheiden. Was ist also der Unterschied zwischen einem Zombie mit einem letzten E und einem Zombie ohne E? Die erste ist eine Hollywood-Karikatur, eine Tötungsmaschine, vorzugsweise kannibalistisch, in der großen Tradition, die George A. Romero mit „Die Nacht der lebenden Toten“ eingeleitet hat. Der zweite ist der authentische. In der haitianischen Tradition handelt es sich um eine lebende Person mit dem Aussehen einer toten Person. Von einem Voodoo-Zauberer verhext, Opfer der Rache der Familie oder bestraft für seine eigenen schlechten Taten. Begraben, exhumiert, ohne jegliche Willenskraft, weil er unter Drogen stand, wurde er zur Sklaverei verurteilt und musste in einer Fabrik oder auf den Feldern arbeiten. Es sei denn, es handelt sich um einen lebenden Menschen, der die Identität eines Toten an sich gerissen hat, oder um einen psychiatrischen Zombie, also einen psychisch kranken Menschen, der sich für tot hält. Fotobegeisterte werden den ganz besonderen Fall dieses Zombies zu schätzen wissen, den der Zeremonienmeister der Quai Branly-Ausstellung, Philippe Charlier, in der Artibonite-Region gesehen hat. Von diesem forensischen Arzt und Archäoanthropologen fotografiert, erscheint sein Bild auf keinem der Hunderten von Fotos, die von ihm gemacht wurden, als würde es sich in Rauchwolken auflösen, die aus dem Boden entweichen. Es wird nicht gedruckt. Vielleicht hätte man ihn bitten sollen, selbst ein Selfie zu machen?

Illustration: Plakat zur Zombies-Ausstellung Der Tod ist nicht das Ende? Musée du Quai Branly Jacques Chirac (bis 16. Februar)

Sowohl konkav als auch konvex

Die wahre Frau ist sowohl konkav als auch konvex ... Mit diesem Satz des Dichters René Nelly, der in ihre Haut eingraviert war, führte Nil Yalter 1974 vor der Linse einen Bauchtanz „Frau ohne Kopf“ auf. Und das ist er auch Unter dem von einem anderen Dichter, Nâzim Hijmet, entlehnten Titel Exile is a hard job hatte sie ihre Fotos und Videos über Emigranten, die „Zurückgebliebenen“, ausgestellt 2023. Diese Dichterin des Bildes kam, um im zentralen Pavillon der Biennale „Topak Ev“ in Venedig ihre mythische Jurte zu pflanzen, die 1973 in Paris im Rahmen der ARC (Animation Research Confrontation) entdeckt wurde. Echo einer fernen Hommage an die Frauen der Nomadengemeinschaften Zentralanatoliens. Alarmschrei eines Pioniers. Für diesen Schritt gewann sie einen Goldenen Löwen, der ihre gesamte Karriere als Künstlerin mit erstaunlicher Sturheit und erstaunlicher Sanftheit belohnte.

Illustration: Topak Ev Yurt aus Metall, Schaffellen, gebacken, Text und Mischtechnik von Nil Yalter (1973)