Zeitgenössischer Kunstmarkt oder kommerzielle Kunst?
Über die Ausstellung „BeauBadUgly – Die andere Geschichte der Malerei“, die bis zum 9. März 2025 im MIAM (International Museum of Arts Modestes) in Sète zu sehen ist.
„Der Flirt mit einer kitschigen, populären und sogar vulgären Ästhetik hat Vertreter fast aller modernen Kunstrichtungen und aller Strömungen der zeitgenössischen Kunst in Versuchung geführt. » Nicht ich sage es, sondern Catherine Millet selbst, die es in der Sommerausgabe des Artpress-Magazins schreibt, dessen Redaktion sie leitet. Anlässlich der Ausstellung „BeauBadUgly – Die andere Geschichte der Malerei“, die bis zum 9. März 2025 im Internationalen Museum der Künste Modestes in Sète (alias Hervé Di Rosas MIAM) zu sehen ist, widmet das renommierte Referenzmagazin für zeitgenössische Kunst eine faszinierende Ausstellung Wir stellen uns der spannenden Frage: Nach welchen Kriterien beurteilen wir Kunstwerke als kommerziell und geschmacklos ... und nicht als Werke zeitgenössischer Kunst? Wenn ich es dir sage, ist es aufregend! Angesichts der Breite des Themas geht der berühmte Kunstkritiker nicht allein damit um. Vier weitere „Experten“ wurden beauftragt, ihre Meinung zu der berühmten Frage zu äußern. Vielleicht werde ich an einem anderen Tag mit Ihnen über die Standpunkte von Paul Ardenne, Annabelle Gugnon, Romain Mathieu und Thomas Schlesser sprechen, aber bei aller Ehre beginne ich mit dem Chefkoch.
Zunächst ein kleiner Kontext. Die Ausstellung ist in zwei Teile gegliedert: Im „historischen“ Teil finden wir die „Stars“ der sogenannten kommerziellen Malerei, wie Vladimir Tretchikoff (aber ja, wissen Sie, dieses überaus farbenfrohe Porträt einer Chinesin, das auch zu sehen ist). in einem Clip von David Bowie als in einem Film von Alfred Hitchcock, was diesen sehr kontroversen Autodidakten zu einem der reichsten Maler der Welt machte), aber auch Bernard Buffet (ja ja, seine Clowns waren zu schnell zu beliebt geworden, er spielt in dieser Kategorie), oder Félix Labisse und seine blauen Frauen, kurzum alle, deren Kunstwerke sich gerade „zu gut verkauft haben, um ehrlich zu sein“.
Dieses Panorama der kommerziellen, medialen und populären Malerei wird von Hervé Di Rosa und Jean-Baptiste Carobolante, dem Autor einer Studie, die als Ausgangspunkt für diese Ausstellung diente, inszeniert und geht auf die verschiedenen Entwicklungen ein, die dieses Bildfeld im 20. Jahrhundert eingeschlagen hat Jahrhundert: von der Idealisierung des weiblichen Körpers bis zur Touristenlandschaft, einschließlich der Medienberichterstattung über Maler und der Geburt eines neuen populären Künstlerpublikums. Jedes Mal sind die präsentierten Gemälde für das Publikum ebenso eine Erinnerung wie eine radikale Entdeckung.
Im zweiten Teil, der als „zeitgenössisch“ bezeichnet werden kann, finden wir beispielsweise John Currin, Richard Fauguet, Gérard Gasiorowski, Pierre et Gilles, Ida Tursic & Wilfried Mille sowie Nina Childress, die auch die Co-Kuratorin dieses Teils ist mit Colette Barbier, langjährige Direktorin der Pernod Ricard Stiftung. Was mich amüsiert, ist, dass laut Catherine Millet diese Nachnamen uns bekannter sein sollten als die anderen ... So sei es. Auf jeden Fall ermöglicht uns diese Auswahl zeitgenössischer Werke, die Bedeutung der „Warenmalerei“ in der zeitgenössischen künstlerischen Vorstellung zu zeigen. Und zeigt, inwieweit die kommerzielle Welt zu einem wesentlichen ikonografischen Referenzfeld für das Verständnis der Wurzeln zeitgenössischen Schaffens geworden ist.
Um sich also zurechtzufinden, wenn Sie manchmal Zweifel haben, ist es ganz einfach: Der historische Teil befindet sich im Erdgeschoss des MIAM, der zeitgenössische Teil im Obergeschoss. Und die dreihundert „Krusten“, die der sehr konzeptionelle Gabriele Di Matteo mit einem Messer gemalt hat, alle gleich, aber alle unterschiedlich, stellen die Verbindung zwischen beiden her, zwischen Geschichte und Gegenwart. Insbesondere präsentiert die Ausstellung zahlreiche Variationen rund um das Erbe der berühmten Pariser Figur „Petit Poulbot“.
Aber kehren wir zur Analyse von Catherine Millet für Artpress zurück, die der Ansicht ist, dass BeauBadUgly nicht nur eines der gewagtesten Projekte des MIAM ist, sondern dass es sogar noch relevanter ist als High and Low, die große Ausstellung im MoMa. in New York im Winter 1990/91 und bot ein umfassendes Panorama der Moderne, das Anleihen bei der Populärkunst nahm. Nur das ! „Sicherlich verfügt das MIAM nicht über die Mittel des MoMa“, gibt sie dennoch zu, „aber sein unverschämtes Projekt ist auch relevanter: Werke zeitgenössischer Kunst, die Formen und Themen verwenden, die für populäre Bilder spezifisch sind, denen von Künstlern gegenüberzustellen.“ die sehr populäre Werke geschaffen haben, ohne jedoch in den Bereich der zeitgenössischen Kunst zu fallen. Das heißt, es werden Originalwerke mit anderen Originalwerken verglichen, die einander oft ähneln, aber nicht auf demselben Markt vertrieben werden, dem Markt für zeitgenössische Kunst für einige, dem Place du Tertre oder den Kaufhäusern für andere. » Ja: Verkaufen Sie Ihre Kunstwerke in einer Kunstgalerie oder im Supermarkt, das ist der Unterschied. Wir müssen wählen (wenn wir können).
Der Leser, der ich bin, kommt offensichtlich nicht umhin, zu denken, dass es in der Literatur genauso funktioniert! Wenn Sie Marc Lévy, Agnès Ledig oder Guillaume Musso lesen, warne ich Sie: Sie werden niemals in der gleichen Liga spielen wie diejenigen, die berühmte Unbekannte lesen und immer auf Sie herabschauen werden. Das Gleiche gilt, wenn Sie der Autor sind. Du wirst dieses Brot nicht essen wollen. Wenn Sie jedoch essen möchten, während Sie Romane veröffentlichen, werden Sie davon träumen, so viele zu verkaufen wie die gerade erwähnten beliebten Autoren (es gibt noch andere). Denn das ist ein Teil des Problems: Wie kann man von seiner Kunst (gut) leben, wenn sie nicht kommerziell ist? Catherine Millet argumentiert sogar, dass „zeitgenössische Künstler“ nicht immer über den kaufmännischen Überlegungen stehen, die „Handelskünstlern“ zugeschrieben werden … In ihrem eigenen Museum of Bad Taste zögern Kunstkritiker nicht, Francis‘ Nudes Picabia, Andy Warhols Dick Tracy, Superman usw. aufzuhängen Popeye, Peter Arnos Comics neu aufgelegt von David Salle, Robert Zakanitchs florale All-Overs, Alain Séchas‘ Cats and Dads, Barnett Newmans von Philip Taaffe verwandelte Reißverschlüsse und sogar die Zyklopen von Hervé Di Rosa selbst …
„In der entgegengesetzten Richtung hat die allgemeine Geschmacksentwicklung, die durch die moderne Kunst hervorgerufen wird, einen Einfluss auf die kommerzielle Malerei gehabt“, glaubt sie. „Dies wird durch die Freiheit von Farbe und Stil bewiesen, die sich André Brasilier und Vladimir Tretchikoff erlauben. Die Schwanenflügel, die das Himmelsgewölbe in Wings of Love (1972) von Stephen Pearson bilden, sind eine sentimentale Degeneration des Traumraums und Doppelbilder von Salvador Dali. Es gibt jedoch eine Schwelle der Hässlichkeit oder eine Art von Hässlichkeit, die die kommerzielle Malerei nicht riskiert: Wenn sie die monströsen Augen von Margaret Keane zulässt, bezweifle ich, dass die schielenden Augen von Stéphane Zaech oder die „verschmierten“ Augen von Nina Childress hatte dort Erfolg. Es gibt eine Grenze für kommerzielle Kunst, und das ist Ironie. " Ich verehre. Wie sehr ich die neue Frage liebe, mit der Catherine Millet schließlich die erste beantwortet: „Was würde in den Köpfen der Öffentlichkeit(en) passieren, wenn die Ausstellungsvoreingenommenheit alle Werke vermischt hätte?“ »Ich denke, wir würden einige Überraschungen erleben.
Artikel von Artikel von Valibri in Roulotte